Si intitola “Little Floating Fairies” il terzo singolo del progetto solo piano per il musicista imolese Marco Pritoni, disponibile su tutte le piattaforme digitali dal 16 aprile e che anticipa l’imminente Ep.

La carriera solista di Marco è iniziata lo scorso anno con “May of Sorrow”, brano a scopo benefico nato durante l’alluvione in Emilia-Romagna, che ha superato i 20K streaming in tutto il mondo, cui ha fatto seguito la struggente “Red Autumn Leaves”.

“Little Floating Fairies” è nata osservando Marianna, la mia fidanzata, mentre dormiva e sembrava stesse viaggiando in un mondo fantastico avvolta da piccole fate fluttuanti, immagine che mi ha regalato il titolo. Da lì, in pochi minuti, le note sono arrivate in maniera naturale, come accade spesso quando mi siedo al pianoforte”.

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panoramaartisticoitaliano.Grazieaunprogettocoraggiosoerigoroso,chehasemprepuntatoa presentare il meglio della nuova produzione internazionale, Primavera dei Teatri è ormaidiventato un punto di riferimento imprescindibile per professionisti, critici, artisti e per ilpubblicoprovenientedatuttaItaliae dall'estero.

Importante novità di questa edizione 2024 è dunque PRIMA, una piattaformainternazionale che nasce con l'obiettivo di contribuire al percorso creativo di giovani artistioperanti nell'ambito della danza e della performance. Nel corso di cinquegiorni (23 | 27maggio), si potrà assistere ad alcune creazioni ancora in divenire – realizzate anche grazie alleresidenze offerte dal festival e raggruppate nella sezione Open studios – e ai lavori ultimati diartistinazionalie internazionaliall’internodellasezioneProgrammazione.

Alla piattaforma parteciperanno professionisti provenienti da tutto il mondo, una comunitàinternazionalecompostadaartisti,produttori,direttoriartisticiecuratorisiriuniràaCastrovillariperconfrontarsisullepratichedicuratela,incontraregliartisticoinvoltievederneilavori. Ilprogetto,ideato e curato da SettimioPisano attraverso un lavorolungo e articolato,fattodivisioni,studio,confrontiingiro per l’Europa, vuole dare un senso e una profondità diversa all’identità multidisciplinaredelfestivale,d’altraparte,intendesviluppareun'azionesistematicaecontinuativaperpromuovere a livello internazionale il patrimonio creativo dei giovani artisti che operano nelcampo delle performing arts. Dopo aver dato per oltre vent’anni un contributo importante peril rinnovamento del linguaggio scenico e per il ricambio generazionale in Italia, PRIMA spostaoral'asse sul panoramainternazionale.

LeResidenzeArtistiche

Il progetto ha come obiettivo fondante quello di continuare nel lavoro di creazione di unambiente propizio all’ormai indispensabile cambiamento generazionale nell’ambito del teatroe delle arti performative. Le residenze del 2024si aprono in modoparticolare alla performance,scommettendo su giovani artistle cui creazioni sicollocano fuori daiconfini di genere, sostenendone i percorsi creativi spesso in cooperazione con diverse istituzioni internazionali. Durante i periodi diresidenza le artiste e gli artistiavranno la possibilità di confrontarsicon la comunità internazionale dicuratrici e programmatori, attraversole sessioni di pitch e presentando i propri lavori all’interno della sezione Open studios. L’obiettivo è quello di favorire la reciprocaconoscenzaeil dialogointorno allenuoveopere infase dicreazione.

NotadeidirettoriSettimioPisano,DarioDeLuca,SaverioLaRuina

“Arrivati alla XXIV edizione abbiamo scelto di rimetterci in discussione, per indagare un mododiverso di agire e di intendere il nostro ruolo e la nostra funzione. Primavera dei Teatri non èsolounevento:èuncatalizzatoredicambiamentoperilterritorioelacomunità,unascommessasulpoteretrasformativodell’arte.LaprincipalenovitàintrodottaèPRIMA,esperimento di piattaforma internazionale che nasce con l'obiettivo di contribuire al percorsocreativo di giovani artist^ operanti nell'ambito della danza e della performance. Nel corso dicinquegiorni,sipotràassistereadalcunecreazioniancoraindivenire–realizzateanchegraziealle residenze offerte dal festival e raggruppate nella sezione Open Studios – e ai lavori ultimatidiartist^nazionalieinternazionaliall’internodellasezioneProgrammazione.Contestualmente abbiamo rafforzato l'anima consueta di Primavera, con l'obiettivo puntatosullanuovadrammaturgiaeunprogrammacheinvestemoltosullanuovagenerazionediautorie autrici alle prese con la complessità e le criticità della società contemporanea. Il progetto diquest’anno è frutto di un lavoro curatoriale complesso e articolato - fatto di visioni, studio,confrontiingiroperl’Europa-perdareunsensoeunaprofonditàdiversaallaritrovataidentitàmultidisciplinaredel festival”.

Ilfestivalsiapredunquedal23al27maggioconlasezionePRIMA.Nelleresidenzeoffertedalfestivaleraggruppatenellasezione OpenStudiosprotagonistisaranno:AnnamariaAjmone

/Ipiantieilamentideipescifossili(ITA),GiovanfrancescoGiannini/Vanitas(ITA),Danila Gambettola/Cu*Mmia*1(ITA),MariaLuigiaGioffrè/ AfterParty(ITA),LeonardoSchifino/Until our words coincides again: never (ITA), Mauro Lamanna / 7 o 77 (ITA), Dario Rea - MaherMsaddek/Nascondino(ITA/TUN).

Ilavoriultimatidiartist^nazionalieinternazionaliall’internodellasezioneProgrammazione saranno: Dalila Belaza / Figures (FRA) prima italiana, Maria Hassabi / Onstage (CYP)primaitaliana,Chara Kotsali/To bepossessed (GRE) primaitaliana,RobertaRacis

/ Atto bianco (ITA) prima assoluta, Marco da Silva Ferreira / Fantasie Minor (POR/FRA) primaitaliana,ElenaAntoniu/Landscape(CYP),ArkadiZaides/Necropolis(BLR/ISR/FRA),PanzettiTicconi/CryViolet(ITA),ChiaraBersani/Sottobosco(ITA),MauroLamanna–AguileraGiustiniano / Real Heroes (ITA/CHL). Ogni giorno a mezzogiorno, aperitivo con gli artisti inresidenza. Nella giornata di apertura del festival sarà consegnato il Premio Carical per le artiperformativeepresentatol’esitoprogettoconlescuoleDarioDeLuca/FrancescoGallo.

AlvialaconsuetaprogrammazionediPrimaveradeiTeatridal28maggioal2giugno.Laprima giornata (28 maggio) vedrà protagonisti Dino Lopardo con Affogo e il Teatro StudioKrypton con Ismene - Family Affairs. Il 29 maggio si prosegue con Tindaro Granata che propone Vorrei una voce, e poi dueprimeassolute:AntimoCasertanoinMarediruggine (la favola dell’Ilva) edElviraScorzaconTuttacolpadiUgo.  Giovedì 30 maggio, Accademia Perdutapropone lo spettacolo Gramsci Gay; e poi due prime assolute: Caroline Baglioni con Play eDavideIodiceconPinocchio/Che cos’è unapersona. Il festival prosegue venerdì 31 maggio con Fabio Pisano chepresenterà lo spettacolo Spezzata. Rapsodia (Per Intercessione del Silenzio)in prima assoluta, Giulia Scotti in anteprima nazionaleproporràQuello che non c’è,mentreIquattrodesideridiSantuMartinusaràlapropostaartisticadiDarioDe Luca. Siarrivaasabato1°giugno.Treleprimeassolutedallagiornata:laCompagniaDammacco/BalivopresenteràLamorteovveroilpranzodelladomenica,PierLorenzoPisano–porteràinscenaTotale,mentreZittoPetersarà la propostaofferta da Fettarappa/Guerrieri. Treleproposteinprogrammaperl’ultimagiornatadelfestival–domenica2giugno:Kepler452 – Album, Marco Sgrosso – A colpi d’ascia, Tommaso Urselli/ Alberto Oliva / Claudio Facchinelli – Il rivoluzionario errante.

Ad arricchire ulteriormente il festival c’è la sezione OLTRE. Al di là del fulcro centrale di ogni programmazione, ovvero gli spettacoli, cosa c’è? La risposta è molto altro! Laboratori, incontri, mostre, panel, installazioni proiezioni. Durante Prima, ogni giorno a mezzogiornoappuntamento dedicato ai pitch dei progetti in residenza. Un momento informale di incontro tra gli artisti e gli operatori, per parlare dei percorsi di creazione, di produzione e di possibili coproduzioni. Il tutto davanti a un aperitivo nella splendida atmosfera del chiostro del Protoconvento. Dal28maggioal2giugnoilgruppo R.A.C. (regist_ a confronto) prima associazione di categoria per regist_ teatrali in Italia, propone un workshop di formazione e confronto a cura di due regist_ R.A.C. e un regista ospite, rivolto a15 att_rici_ori, selezionati attraverso una call pubblica nazionale. Il progetto è a cura di Nicola Borghesi, Stefano Cordella, Fabiana Iacozzilli. Ognisera - dalleore23.00 - presso ilProtoconvento, si terranno Dj Set e concerti. Tre le mostre: Massimiliano DeLuca, TommasoLe Pera,AngeloMaggio. E poi gli Incontri: Gradienti di liveness. Performance e comunicazione dal vivo nei contesti mediatizzati con Laura Gemini, Cronicario con Dario Tomasello, La distribuzione degli spettacoli dal vivo, un percorso di curatela con Elena Lamberti, Cinema e Teatro: Trasformando il paesaggio culturale regionale a cura della Fondazione Calabria Film Commission, Tommaso Le Pera: la memoria visiva del teatro con Romolo Perrotta.

Tutti i dettagli su spettacoli, luoghi del festival, orari e biglietti su https://primaveradeiteatri.it/

Il festival collabora con numerosi partner internazionali e opera in coproduzione con le principali istituzioniculturaliitaliane.FindallasuaprimaedizioneèstatosostenutodalMinistero dellaCulturaitaliano.

Con il sostegno di Ministero della Cultura, Regione Calabria, Calabria Straordinaria, Fondazione Carical, NuoviMecenati, Onassis Stegi. Con il patrocinio del Comune di Castrovillari. Main sponsor: Energy Progress, GruppoIGreco. Main partner: Università IUAV di Venezia, Accademia di Belle Arti di Catanzaro, Istituto Alberghiero diCastrovillari, La torre infame, Officina del gusto, Trattoria ben venuti al Sud, Poste e Office, Centro EspressioniArtistiche,NJHotel.Mediapartner:RAI RADIO 3,Artribune.Inretecon:EuropeanFestivalAssociation,Italiafestival,RevolutionProjectNetwork,Initalia,CastrovillariCittàFestival,CatastaPollino.

Infoeprenotazioni

Postounico:10,00€

Ridottoover65,under25,operatori,scuolediteatroedanza:5,00€Disabili:5,00 €coningressogratuito perunaccompagnatore

*perusufruiredelleriduzioniè necessarioesibireundocumentodiidentità

OpenStudios:5,00€

DJseteseratemusicali5,00€

*ingressogratuitoesibendoilbigliettodiunodeglispettacolipresentiincartelloneilgiornodell’evento

Abbonamentonominalevalidoper:

·       5spettacoli:45,00€

·       10spettacoli:70,00€

·       15spettacoli:105,00€

*l’abbonamentovaacquistatocontestualmenteallasuarichiesta,nonsiaccettanoprenotazioni

**glispettacolidevonoessereobbligatoriamenteselezionatialmomentodell’acquisto,ritirandocontestualmentei

biglietti

***glieventualicambideibigliettiacquistatisonosoggettiadisponibilità

INFOEPRENOTAZIONI

CristinaMindicini–responsabilebiglietteria

E-mail: cristina.mindicini@primaveradeiteatri.itTelefono/WhatsApp:+393468229975

*leprenotazionieffettuateviae-maileWhatsAppvannosaldateinbiglietteriaentroilgiornoprimadelladatadispettacolo,incasocontrariolaprenotazionevieneautomaticamentecancellata

LUOGHIEORARIBIGLIETTERIA

·       Prevendita13>23Maggio

Puntoinformativopiazzamunicipio10:00–13:00I16:00–20:00

Botteghino

Puntoinformativoinpiazzamunicipio10:00 –13:00

Aperturaun’oraprimadell’inizioneirispettiviluoghidispettacolo

Dopo qualche indizio lasciato sui propri canali social è finalmente arrivato l’annuncio che le fan e i fan stavano aspettando: un nuovo capitolo, una nuova metamorfosi, nuove storie da raccontare per il femminile plurale che da sempre Lucchesi e Mangiaracina utilizzano per portare avanti la propria narrazione. Quello di LRDL è un progetto stratificato, che negli anni ha codificato la sua poetica cangiante e la sua voce fuori dal coro. Una voce attraverso cui raccontare la propria personale visione del mondo ed esplorare temi come il corpo, le relazioni, la resistenza. Scritta tra Brooklyn (dove la band ha incontrato il chitarrista Kit Conway) e in una session con Antonio Di Martino e registrata tra gli Indigo Studios di Palermo, luogo d’elezione della band, e lo Studio 13 che Damon Albarn ha fondato a Londra, “Paradiso” è un viaggio che ripercorre con decisione questo tracciato iniziato 13 anni fa.

LRDL è musica collettiva e alternativa, è rappresentazione del ruolo che la voce femminile può avere all’interno di questo ambito: “Paradiso” è un brano che esplode per raccontare la forza, talvolta l’impatto, altre volte gli effetti e il peso delle relazioni sulle nostre stesse vite, sulla nostra emotività attraversando fiumi, costruendo ponti, incontrando e affermando resistenze. Lo fa con sonorità che richiamano il rock degli anni ‘90, i nostri anni. LRDL produce però un suono totalmente calato nella contemporaneità e un testo in cui fragilità, paure (“Ho paura che mi hai ucciso - Volevo solo l’amore - Tu mi hai riempito la bocca, la bocca di te” e ancora “Volevo farmi del male”) ed espressioni di forza, (auto)determinazione, volontà (“Non mi basta”, “Certe volte capita che devi rovinare la festa”, “Pugni in tasca”) non sono in contrapposizione, bensì sullo stesso piano. Coesistono nella vita e nella testa de La Rappresentante di Lista e di tutte e tutti noi: l’invito è a fare un giro in quella testa. “Che cosa c’è?”. Qualunque sia la risposta, è una sfida a se stess* e agli altr*, prendere coraggio, esplorare, rompere gli schemi, dire di no, scrivere il proprio tempo, “rovinare la festa”.

“Paradiso” apre un nuovo capitolo per LRDL, dopo 13 anni di carriera con quattro album in studio all’attivo, un romanzo, due partecipazioni in gara a Sanremo con Amare (certificata Disco di Platino) e con Ciao Ciao (Quarto Disco di Platino), entrambe ai vertici delle classifiche radiofoniche. Dal 2011 ad oggi La Rappresentante di Lista si è mossa attraverso territori musicali sempre nuovi e ricercati, un laboratorio artistico multidisciplinare e in continua evoluzione, che si nutre dell’attività in studio, ma soprattutto di quella dal vivo: anche quest’anno non potevano mancare gli appuntamenti live, con dieci date già annunciate nei super club di tutta Italia per il prossimo autunno.

LRDL 2024 TOUR

6 novembre – Firenze (Tuscany Hall)

7 novembre – Napoli (Casa della Musica)

8 novembre – Molfetta, BA (Eremo Club)

13 novembre - Milano (Fabrique)

15 novembre - Padova (Hall)

22 novembre – Venaria Reale, TO (Teatro della Concordia)

23 novembre – Bologna (Estragon)

29 novembre – Roma (Atlantico)

2 dicembre – Palermo (I Candelai)

3 dicembre – Palermo (I Candelai)

Le prevendite per LRDL 2024 TOUR - prodotto da Magellano Concerti e Whodo Agency - sono disponibili nei circuiti abituali. 

Sarà disponibile da venerdì 19 aprile su tutte le piattaforme digitali e in radio “FINO AL BLACKOUT”, il nuovo singolo inedito di BABY K (da oggi in presave e preorder al seguente link: columbia.lnk.to/Finoalblackout).

BABY K non è solo il tag all’inizio di una canzone e nemmeno solo una hit estiva, è la cantautrice più cosmopolita del nostro paese (nata a Singapore ha viaggiato in lungo in largo prima di fermarsi per qualche anno in Gran Bretagna dove affondano le sue radici musicali e approdare poi in Italia).

Nella sua carriera ha raccolto non solo successi radio e da classifica ma anche 5 dischi d’Oro, 17 dischi di Platino e soprattutto un Disco di DIAMANTE grazie a “Roma – Bangkok”, unica canzone al femminile in Italia ad aver raggiunto questo traguardo (sono pochi gli artisti in generale che dalle certificazioni FIMI possono vantare di avere un disco di Diamante appeso in casa: Sia è l’unica donna internazionale che con Ed Sheeran e Luis Fonsi hanno ottenuto un Diamante per un singolo nel nostro paese mentre Jovanotti, Modà, Vasco Rossi, Ligabue e Renato Zero per un album).

Oggi, dopo quasi 13 anni di carriera durante la quale ha alternato rap, pop e reggaeton cercando sempre qualcosa di nuovo, nuove influenze e nuovi mondi da esplorare, BABY K torna con un nuovo singolo, “FINO AL BLACKOUT”, che interpreta perfettamente la sua costante ricerca sonora e sposa la necessità di coniugare una musica che la rappresenti ad un testo che la racconti, come donna e come artista.

Claudia Judith Nahum (questo il suo vero nome), firma di “FINO AL BLACKOUT” testo e musica e per la prima volta la produzione insieme a Macs (negli anni aveva già avuto modo di collaborare in fase di produzione ma mai era arrivata ad una presenza così importante nella chiusura di un brano).

Solo qualche giorno fa BABY K aveva postato sui suoi social queste parole:

“My loves  Mi sono presa una pausa dai social. Ho voluto lavorare in silenzio, perché è quando ci allontaniamo dal chiasso che lo spirito ha modo di comunicare con la nostra mente.

La mia vita in musica è iniziata nel 2007 ed è stato un viaggio folle, stupendo, fatto di alti e bassi, evoluzioni, cambiamenti, lavoro, ricerca e risultati assurdi… e tutte queste cose mi hanno portato inevitabilmente a chiedermi oggi “cosa vuoi dire? “cosa vuoi rappresentare?” e la domanda più difficile: “Claudia, chi sei”? Quest’ultima è una domanda che mi pongo da quando sono piccola, che riporta alla mia mente ricordi di spostamenti tra culture e paesi diversi, il sentirsi sempre un alieno in cerca del suo vero contesto, allontanarsi ogni volta da amici e famiglia cercando di ricostruire il mio concetto di “casa” e di appartenenza.

Lo stesso è accaduto con la musica. In questi mesi è stato prezioso per me muovermi dietro le quinte, per far tornare quel fuoco, quella fotta, quella voglia di apparecchiarsi il tavolo da sola e dire “f*anculo io sono questa”. Io non voglio seguire, io voglio creare perchè sentirsi diversi è un’arma, è la fonte, ti rende UNIC* e tu che leggi non dimenticarlo mai! Soprattutto io voglio condividerlo con chi mi segue, con chi mi ha aspettato, chi mi capisce davvero, con voi. Per questo, i social non bastano… ma ci arriverò poco a poco e “fidandomi di un battito”(cit.) Mi mancate, ma stiamo per ripartire. ”

Un messaggio questo che apriva da una parte la strada all’arrivo di nuova musica ma che dall’altra voleva dare la possibilità a Claudia di farsi conoscere come artista ma soprattutto come donna, una donna forte, indipendente, capace di dire a se stessa: “qualunque cosa succeda fuori da quella porta, il caos che il mondo sta vivendo, io sono pronta a tutto, sono pronta a ripartire da me stessa, ad andare avanti per la mia strada”.

Se è vero che le donne di oggi sono sempre più consapevoli di loro stesse, del loro ruolo e delle loro capacità, BABY K è oggi una donna che rivendica la propria indipendenza e l’amore per se stessa e la libertà di poter usare, come nelle migliori canzoni pop, parole apparentemente leggere per raccontare uno stato d’animo, una necessità (“Mettiti il rossetto stanotte, c’è profumo di caos, balliamo fino al Blackout”).

Fin dal suo primo successo con “Femmina Alfa” (2010) passando per l’album “Una seria” (prodotto da Tiziano Ferro e Michele Canova Iorfida), “Kiss Kiss Bang Bang”, “Icona” e “Donna sulla Luna”, BABY K ha sempre cercato di coniugare la sua anima rap (lei cresciuta artisticamente in Inghilterra e approdata in Italia portando il suo mondo artistico in un paese dove in quegli anni il rap -  ancor più femminile – non aveva ancora un mercato importante come quello di oggi) con quella più pop andando ogni volta sempre un pezzettino oltre le aspettative del pubblico e degli addetti ai lavori, portando in Italia stili e contaminazioni come nel caso di “Roma – Bangkok”, primo singolo reggaeton di grande successo nel nostro paese.

Foto di Roberta Krasnig

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Per molte donne il trucco è uno strumento utile per mettere in risalto i tratti somatici ed esaltare la bellezza naturale.

Willem de Kooning, uno degli artisti più rivoluzionari e influenti del XX secolo, è il protagonista di una grande mostra nelle sale dedicate alle esposizioni temporanee presso le Gallerie dell’Accademia di Venezia.

Willem de Kooning e l’Italia aprirà al pubblico il 17 aprile 2024, in concomitanza con la 60. Biennale d’Arte di Venezia, e sarà visitabile fino al 15 settembre 2024.

È la prima esposizione che esplora i periodi che Willem de Kooning trascorse in Italia nel 1959 e nel 1969 e il profondo impatto che questi soggiorni ebbero sul suo lavoro. Il progetto espositivo riunisce 75 opere, che ne fanno la più grande retrospettiva dell’artista mai organizzata in Italia.

I curatori della mostra, Gary Garrels e Mario Codognato, hanno accertato l’influenza che l’Italia ebbe sulle opere successive, dipinti, disegni e sculture, che de Kooning eseguì in America; aspetto che finora non era mai stato analizzato in modo esaustivo. L’effetto a lungo termine di questi due periodi creativi è testimoniato da un’eccezionale selezione di lavori, che vanno dalla fine degli anni Cinquanta agli anni Ottanta.

Giulio Manieri Elia, Direttore delle Gallerie dell’Accademia, ha dichiarato: “Siamo convinti che proporre de Kooning sia stata la scelta giusta per diverse ragioni: prima di tutto per l’importanza dell’artista. In secondo luogo, per il tema e la speciale connessione con l’Italia, aspetti che ci sono cari e vicini. Va aggiunto che dopo la morte di de Kooning, le sue opere sono state esposte solo raramente in Italia, l’ultima mostra dedicata al suo lavoro risale a diciotto anni fa. Infine, ciò che ci ha convinto è stata la qualità della selezione compiuta dai curatori: circa 75 opere che rappresentano la rilevanza dei periodi più espressivi della sua pratica”.

Sono esposti insieme per la prima volta anche tre dei Pastoral Landscapes più noti di de Kooning, Door to the River, A Tree in Naples e Villa Borghese. Dipinti a New York nel 1960, dimostrano in modo evidente i persistenti ricordi del suo viaggio. Questa sezione della mostra comprende anche grandi opere figurative della metà degli anni sessanta che hanno aperto la strada al suo interesse per la scultura.

In uno spazio dedicato alla scultura si possono ammirare tredici piccoli bronzi che de Kooning realizzò a Roma. Creati dopo un incontro casuale con un amico scultore, sono il risultato dei primi esperimenti dell’artista con l’argilla che lo portarono a produrre un consistente corpus di opere a New York tra il 1972 e il 1974.

L’esposizione apre anche un dialogo tra pittura e scultura con i disegni degli anni Sessanta e Settanta. Le opere più significative includono quattro disegni a inchiostro che de Kooning eseguì a Spoleto nel 1969, presentati insieme a una selezione complementare di lavori intimi e gestuali, concettualmente legati alle sculture, in cui l’artista frammenta la figura, lasciando spesso spazi vuoti contrapposti a linee vigorose.

L'allestimento progettato da UNA/UNLESS diretto dall'architetto Giulia Foscari, si conclude con una selezione degli ultimi dipinti di de Kooning realizzati negli anni ottanta, in cui il linguaggio della forma tridimensionale viene trasfigurato in una nuova poesia astratta. In questi lavori i riferimenti figurativi sono più vaghi e caratterizzati da tonalità con dominanti bianche, bilanciate da bande e aree dai colori brillanti. Sono tra le opere più sublimi di de Kooning, in cui riecheggiano accenni alla composizione barocca.

La mostra è stata organizzata in collaborazione con The Willem de Kooning Foundation, una fondazione privata che gestisce il patrimonio dell’artista e promuove lo studio e la valorizzazione della sua vita e della sua opera attraverso ricerche, mostre e programmi educativi.

Amy Schichtel, Direttrice Esecutiva della Fondazione Willem de Kooning, ha affermato: “La Fondazione è lieta di aver collaborato con le Gallerie dell’Accademia nell’organizzazione di questa importante mostra che ci permette di condividere l’eccezionale visione di Willem de Kooning e dei curatori con una comunità internazionale ampia e diversificata. Il progetto espositivo offre la straordinaria opportunità di presentare nuove ricerche e approfondimenti per arricchire l’esperienza delle migliaia di visitatori, nazionali e internazionali, dell’Accademia. De Kooning è uno dei grandi innovatori americani; riteniamo che la sua storia di sperimentatore continui a essere di vitale ispirazione per molti artisti contemporanei, oltre che per gli studenti e i giovani in generale”.

La mostra è accompagnata da un catalogo pubblicato da Marsilio Arte.

Pittore anticonformista, rifiuta le norme stilistiche consolidate dissolvendo il rapporto tra primo piano e sfondo e utilizzando la pittura per creare gesti emotivi e astratti. Tra la fine degli anni quaranta e l’inizio degli anni cinquanta, de Kooning, insieme ai suoi contemporanei, viene variamente etichettato come “Action Painter”, “espressionista astratto” o semplicemente appartenente alla “Scuola di New York”. Fu uno dei pochi innovatori a cui, negli anni successivi alla Seconda guerra mondiale, si deve lo storico spostamento del centro dell’avanguardia artistica da Parigi a New York.

INFORMAZIONI:

C'è un momento nella vita di ogni artista in cui le parole diventano più di semplici versi; diventano un grido, un grido che non solo si fa strada attraverso il caos, ma promette di trasformarlo.

Ascolta su Spotify.

Dalla pioggia incessante di "Nuvole/Fuori Piove" all'isolamento meditativo di "Sto solo", Pare ha illuminato le “Emozioni Spente" per svegliare le coscienze con le sue barre sature di riflessioni e ora, con "Il mondo collassa", ogni goccia di esperienza, di vissuto, si trasforma in un oceano di consapevolezza, chiedendo agli ascoltatori di nuotare nel profondo delle loro anime per esplorare le verità nascoste che risiedono sotto la superficie.

Il brano, nato da un'esigenza vitale di espressione, da un dialogo aperto con la realtà, e spinto da un incontro illuminante con Trip riflettendo sullo stato del mondo tra guerre e divisioni sociali, è un manifesto rap carico di significati profondi, una critica pungente verso la società odierna che dalle ceneri del silenzio trova nei due artisti una voce che sfida e illumina le ombre delle verità scomode, facendo leva sull’affascinante beat curato da Pxter, per dipingere il quadro di un’epoca in cui il grigiore delle città soffoca i sogni e le speranze di molti.

«"Il mondo collassa" – dichiara Pare - è nato in una di quelle giornate in cui ti guardi intorno e tutto quello che vedi sembra sfuggire di mano. Insieme a Trip, tra discorsi sull'attualità e le guerre che continuano a insanguinare la nostra epoca, mi sono reso conto che era il momento di fare di più. Di dire di più. Questa canzone è il frutto di queste riflessioni, una risposta alla domanda su come la musica possa influenzare, cambiare, o addirittura migliorare il mondo».

Con un testo carico di simbolismo, Pare e Trip indagano sulle pieghe più oscure della nostra realtà: dalla manipolazione politica che sfrutta i "dormienti" per interessi personali, rappresentata dalla citazione di Eraclito, all'influenza corrosiva dell'avidità e del materialismo che distorce le relazioni umane. Il riferimento ai «fratelli poveri e fratelli ricchi, i primi son veri e i secondi son finti», non è per i due artisti una superficiale constatazione, ma un invito per tutti noi a riconsiderare i valori autentici dell'esistenza, ponendo il "povero" come icona di ricchezza spirituale e il "ricco" come emblema di povertà interiore.

«In questo pezzo – prosegue l’artista -, io e Trip parliamo della società attuale, descrivendo le varie parti "marce" del mondo di adesso, di come la politica sfrutta ì dormienti, citando Eraclito, per i loro tornaconto. Nel testo citiamo la propaganda dei vari tg, dove le notizie vengono date e cambiate in base alla fazione per essere votati, così che continuino ad alzare le tasse e i prezzi non per il Paese, ma per arricchirsi loro e poter fare quello che vogliono. Affrontiamo anche il tema dei soldi, di come cambino le persone nel corso del tempo, e soprattutto della battaglia che esiste dagli inizi della civiltà tra i ricchi e i poveri. Non voglio generalizzare, perché nel mondo siamo miliardi e so che ci sono molte eccezioni, però, umanamente parlando, per me il povero è ricco e il ricco è povero».

Ma il tema centrale del brano è la parola come strumento di cambiamento e potere, un concetto che Pare e Trip enfatizzano con forza e convinzione, ricordandoci che le parole non sono semplici suoni o scritti, ma semi che, se piantati con cura e intenzione, possono crescere in movimenti capaci di scuotere le fondamenta di società intere.

«Il mondo collassa per il peso di questa massa», «Sono rimasto umile perché ho usato la testa e non le scuse» e «Potere alla parola sta società di merda si cambia con la parola», sono versi che trascendono la critica per diventare proclami di un potenziale rivoluzionario nascosto nella forza del verbo e del pensiero critico. Pare e Trip invitano ad una presa di coscienza, ad una ribellione contro l'apatia che ci avvolge, sottolineando l'importanza di rimanere autentici, di "usare la testa" per navigare le tempeste della vita, alzando la voce non per seminare caos e violenza, ma per convertirli in equilibrio e armonia. Questo invito si estende oltre il dialogo interiore, spingendoci ad agire, a usare la nostra espressione come chiave per aprire nuove porte di possibilità. I due artisti ci spronano a non sottovalutare il peso di ogni parola pronunciata o ascoltata, evidenziando che, quando decidiamo di parlare, partecipiamo attivamente alla costruzione del mondo che ci circonda.

Figura eclettica del panorama rap italiano, Pare ha trasformato la sua passione per la musica in uno strumento di esplorazione personale e collettiva. Dall'infanzia, passando per gli studi di pianoforte e clarinetto, fino alla scoperta rivoluzionaria del rap, la sua musica è diventata un rifugio, un mezzo per affrontare e comprendere la realtà. In questo nuovo singolo, con il prezioso featuring di Trip e l’impeccabile creatività di Pxter, l’artista traccia un sentiero di riscatto personale e collettivo, lanciando un messaggio di speranza: in un'epoca dominata dalle apparenze, dalla falsità e dall'alienazione, l'unico modo per combattere il buio esterno è trovare la luce interiore, essere se stessi e pensare con la propria testa. "Il mondo collassa"è una chiamata alle armi per la mente e lo spirito, un invito a non arrendersi mai, a lottare per i propri sogni e a credere nel potere trasformativo dell'autenticità e della parola.

«Con questo pezzo - conclude Pare – io e Trip vogliamo mandare il messaggio di aprire gli occhi e pensare con la propria testa perché le persone cercheranno sempre di fregarsi tra loro, soprattutto in quest’epoca pregna di apparenze e falsità. Veneriamo personaggi che si copiano l'un l'altro e cerchiamo di essere ciò che non siamo. In parole povere, siate voi stessi e usate la testa per ragionare su ciò che vi circonda».

"Il mondo collassa" si rivela così un inno per chiunque creda nel cambiamento e nella capacità collettiva di modellare una realtà migliore, ribadendo che la trasformazione più significativa inizia sempre dall'individuo, dalla decisione di parlare, di agire, di essere un agente attivo nel processo di cambiamento che vogliamo testimoniare.

Questo singolo ci esorta a pensare, a riflettere, a non lasciarci trascinare passivamente dalla corrente. Non è solo un invito a resistere, ma a lottare con le armi più potenti che abbiamo: la nostra voce, le nostre parole.

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Nasce dall’intesa tra i comuni di Castiglion Fiorentino, Citerna, Monterchi e Sansepolcro il nuovo progetto di valorizzazione del patrimonio artistico, culturale e paesaggistico del territorio.

*Per chi è poco interessato (tempo di lettura 2 minuti)

Anticipato dal brano “Parole in libertà”, Gianni Togni presenta l’album di dieci inediti “Edizione Straordinaria”, in uscita il 19 aprile nei principali digital store e in vinile, musicassetta e cd.

"Edizione Straordinaria" è un lavoro che trae ispirazione dalla cronaca quotidiana e dalle storie realmente accadute che hanno dominato i media tra il 2021 e il 2023. Ogni brano è dedicato a personaggi di storie vere: lo spunto iniziale è nato dalla lettura sui quotidiani di vari argomenti che spaziano dallo sport agli animali e l’ambiente, dall’arte ai viaggi, dall’amore alla salute, dall’intervista con il personaggio di turno, alla vita di strada. Le composizioni musicali, insieme agli arrangiamenti e alle sonorità, nell’ascolto totale del disco risulteranno molto diverse tra loro, ma è una scelta artistica voluta per sottolineare l’unicità di ogni tema cantato.

Ad accompagnare il vinile, il booklet che contiene il fumetto “Edizione Straordinaria” pensato, scritto e inchiostrato da Claudio “Greg” Gregori.

*Per chi è un po’ interessato (tempo di lettura 4 minuti)

«Ho iniziato a comporre, scrivere e andare in sala d’incisione per “Edizione Straordinaria” nel 2021 – racconta Gianni Togni – e avevo già in mente l’idea generale dell’album. Gli spunti per i testi di ogni canzone sono stati ispirati da articoli pubblicati sui quotidiani o dalla visione dei telegiornali, mentre per gli arrangiamenti dei vari brani ho cercato di creare grandi differenze senza pensare al mio passato musicale, visto che non amo ripetermi. Per me la qualità sonora di un disco è molto importante e credo che le registrazioni analogiche di tutti gli strumenti aiutino ad ottenere un risultato finale migliore, anche se ci vuole molta pazienza e più tempo. Nei testi, scritti insieme ad Alessio Bonomo, c’è stata altrettanta attenzione e alcune canzoni hanno subito cambiamenti o rifiniture svariate volte. La cosa importante per me, dopo tutte queste fatiche mentali, non è entrare in classifica con “Edizione Straordinaria”, cosa a cui non ho mai pensato nella mia carriera artistica, ma che il disco venga ascoltato interamente e giudicato senza pregiudizi». 

*Per chi è davvero interessato (tempo di lettura 16 minuti e 41 minuti di ascolto)

TRACK BY TRACK

UN MARZIANO LUNGO IL TEVERE

La cronaca di un telegiornale e i pensieri che quegli assurdi eventi della realtà quotidiana possono scatenare nella mente dello spettatore.

MA CHE CI FACCIO QUI

Polo Nord: un tricheco sta dormendo sul ghiacciaio, ma una parte di questo si stacca e lui si risveglierà da solo in mare aperto. Trascinato dalla corrente in un piccolo porto del mare d’Irlanda vedrà per la prima volta l’uomo e dovrà fare una scelta.

NON CHIEDERMI PERCHÉ

La storia d’amore nata casualmente in una casa di riposo in Francia. Lei, ottantenne ex artista e libraia, dal carattere difficile e indipendente, si innamora perdutamente di un altro ospite della struttura, ma dopo pochi mesi verrà trasferita, con grande dolore, in una diversa città. Scriverà molte lettere al suo amato, senza mai inviarle.

L’ULTIMA PARTITA

Nel tennis è diventata la numero uno del mondo, vincendo anche tre slam. Ancora giovanissima decide di ritirarsi per inventare e godersi un nuovo capitolo della sua vita, finalmente lontana dai riflettori.

PAROLE IN LIBERTÀ

Gianni Togni intervista sé stesso per raccontare cosa significa avere un rapporto profondo con la musica, dove la passione vince sulle classifiche e le sconfitte.

FUORI ONDA

Era benestante, colto, con un ottimo lavoro e sempre pieno di impegni. Poi un errore fatale gli farà perdere tutto e si ritrova a vivere per strada dove, però, scopre qualcosa d’importante che prima non era mai riuscito a trovare.

HOPPER

Una mostra dei suoi quadri e le riflessioni sulla possibile deriva di una società immaginata tanti anni prima. Tutte quelle immagini di solitudini disperate, magistralmente dipinte, purtroppo oggi ci riguardano.

NIENTE È BELLO SENZA TE

Monica Vitti e Roberto Russo hanno vissuto insieme per quarantanove anni, dormendo separati solo una notte. La storia di un vero, grande amore che nessuna finzione cinematografica potrà mai eguagliare.

BIGLIETTI DI SOLA ANDATA

Dopo aver conseguito la maturità, una diciottenne si trova a dover scegliere se trasferirsi con la madre in un’altra regione o cavarsela da sola. Con i pochi risparmi comprerà un biglietto d’aereo per l’Australia, prenderà una laurea in Canada e viaggerà. Ancora oggi gira il mondo con il suo zaino, senza mai ritornare in un luogo già visitato.

CON I MIEI STESSI OCCHI

“Come un gatto guardavo la realtà dalla finestra senza farne parte. Vivevo così ma alla fine ho aperto quella porta”. A dire queste parole è uno dei tanti ragazzi definiti Hikikomori, adolescenti che si isolano completamente dagli altri per evitare le grandi pressioni psicologiche a cui si sentono sottoposti.

Tutti i brani dell'album sono stati registrati in analogico e successivamente mixati con sincronizzazione digitale presso la sala di incisione R.& B. a Civitavecchia. La registrazione, il mixaggio e il mastering sono stati curati da Massimiliano Rosati. Il trasferimento per la produzione del vinile è stato gestito da Alessandro "Gengy" Di Guglielmo.

L'album è composto da Gianni Togni in collaborazione con Alessio Bonomo, ad eccezione delle canzoni "Non Chiedermi Perché" e "Parole in Libertà", scritte interamente da Gianni Togni, e "Ma Che Ci Faccio Qui" e "Niente È Bello Senza Te", di cui i testi sono stati curati da Alessio Bonomo. Le edizioni musicali sono gestite da Acquarello S.r.l. unipersonale. Gli arrangiamenti sono stati curati da Gianni Togni.

Gianni Togni ha contribuito con la voce, il pianoforte, le tastiere e i cori.

Massimiliano Rosati si è occupato delle chitarre elettriche e acustiche, del bouzouki, della chitarra acustica baritona e della programmazione computer.

Luca Trolli ha suonato la batteria.

Marco Siniscalco ha suonato il basso.

Aidan Zammit ha contribuito con l'organo Hammond e tastiere aggiunte.

Nei cori del brano "Con I Miei Stessi Occhi" hanno partecipato Frankie Lovecchio, Riccardo Rinaudo, Fabrizio Palma e Rossella Ruini.

Le fotografie per l'album sono state realizzate da Laura Camia, mentre il progetto e la grafica di copertina sono stati curati da Federico Romanazzo.

GIANNI TOGNI è un'icona della musica italiana, la cui carriera si è distinta per la sua versatilità artistica e la sua costante ricerca di innovazione. L’artista ha mosso i primi passi nel mondo della musica negli anni '70, esibendosi con regolarità al Folkstudio giovani durante le domeniche pomeriggio. Il suo debutto discografico avviene nel 1975 con l'uscita del suo primo album “In una simile circostanza” per la IT. Tuttavia, è negli anni successivi che la sua carriera prende slancio, diventando supporter di spicco dei Pooh e firmando un contratto con la CGD nel 1979. L'anno successivo, nel 1980, pubblica l'album “…e in quel momento, entrando in teatro vuoto, un pomeriggio vestito di bianco, mi tolgo la giacca, accendo le luci e sul palco m'invento”, accompagnato dal singolo “Luna”. Seguono altri successi con album come “Le mie strade” nel 1981 e “Gianni Togni” nel 1983, quest'ultimo contenente il celebre singolo “Per noi innamorati”. La sua versatilità si manifesta anche nella collaborazione con altri artisti e nella composizione per colonne sonore, come il brano “Dancing” per il film “Il futuro è donna” di Marco Ferreri nel 1984. Negli anni successivi, continua a produrre musica di successo, pubblicando album come “Segui il tuo cuore” nel 1986 e “Di questi tempi” nel 1987. Dal 1997, si distingue per la creazione di musical come “Hollywood – ritratto di un divo”, “G & G” su Greta Garbo nel 2001-2002 e “Poveri ma belli” nel 2008 per il Sistina. Nel corso degli anni successivi, Togni continua a sperimentare e creare la sua musica, pubblicando album come “La vita nuova” nel 2006 e “Futuro improvviso” nel 2019. Nonostante le sfide, come il rinvio del suo tour a causa della pandemia nel 2020, Togni torna nel 2022 con una serie di esibizioni live e nel 2024 con l'uscita del suo nuovo disco “Edizione straordinaria”.

Canali ufficiali dell’Artista:

Sito: www.giannitogni.com

Facebook: @giannitognifanclub
Instagram: @giannitogni

YouTube: @giannitogni637

Dal 16 aprile 2024 è disponibile su tutte le piattaforme di streaming digitale e in formato fisico “ADRIFT” (Overdub Recordings), il nuovo album degli UNCLE MUFF.

“Adrift” è un disco liquido, sognante e indipendente.È una composizione fatta di libere associazioni e intuizioni oniriche.  Tutti i nove brani sono nati e cresciuti naturalmente, con il loro carattere e la loro autonomia. L'album non pretende coerenze forzate o strutture rigide; al contrario, è l’acqua l’elemento sul quale le canzoni navigano, ognuno nella sua direzione, ma tutti ineluttabilmente insieme “alla deriva”.

Spiega la band a proposito del disco:“Con il nostro quarto lavoro discografico, abbiamo navigato in acque per noi finora inesplorate. Più che mai abbiamo lasciato che le canzoni stesse ci conducessero e si lasciassero scoprire. Il nostro ruolo principale è stato quello di esplorare, sperimentare e assecondare le correnti verso cui ciascuna canzone si orientava”.

TRACKLIST:

1 - I, like you

2 - Your Voice

3 - Close to be a part

4 - Still in time

5 - Dream

6 - Living in a forest

7 - And eventually die

8 - Old Blue Back

9 - House in the water

Biografia

Paesaggi sonori brillanti, ebbrezza di miraggi, profumi dell'est Europa si intrecciano a sonorità rotonde, talvolta ruvide e taglienti.

I riferimenti artistici sono vari e non invasivi: amano passeggiare con Nick Cave nei suoi cieli britannici, strizzano l’occhio a Tom Waits e alle sue evoluzioni circensi e talvolta sorvolano i deserti psichedelici di Neil Young. Un’infedeltà irrequieta e produttiva li spinge a concepire brani eterogenei e spesso difficilmente inquadrabili in un genere.

Gli Uncle Muff si immergono nella creazione musicale come avventurieri in un territorio senza padroni, dove ogni canzone è soffio di libertà creativa.

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E’ davvero sapiente l’Homo Sapiens? È questa la domanda alla base della nuova opera originale di Bruno Bozzetto, sulle note di Verdi, Chopin e Beethoven.

Il film è un’idea originale di Bruno Bozzetto che vuole invitare a riflettere sull’aggettivo “sapiens” associato all’essere umano. La musica accompagna tre cortometraggi dedicati all’uomo e al suo comportamento nei riguardi della natura e della società.

Il primo film, sulle note melodrammatiche de “Un Giorno di Regno” di Giuseppe Verdi, vuole essere una divertente, anche se amara, esibizione di tutti i mezzi di distruzione che l’uomo ha inventato con grande creatività per affrontare le innumerevoli guerre. Il secondo tema, sulla musica di Chopin “Etudes, Op.10 n°3”, tratta le vicissitudini di un piccolo ragno che cerca disperatamente di uscire da un lavandino in cui è inavvertitamente caduto. Una donna, terrorizzata dal minuscolo aracnide, chiama in aiuto il marito per ucciderlo senza pietà, ma nonostante diversi tentativi, anche molto violenti, il ragno riesce a riguadagnare la sua libertà e il suo diritto di vivere. L’ultimo racconto, accompagnato dall’ouverture Coriolano di Beethoven, narra lo sterminio di innumerevoli specie animali, compiuto per mano dell’uomo dalla sua comparsa sulla terra sino a oggi, momento in cui moltissime specie sono ormai sull’orlo dell’estinzione. La soluzione, per la natura e per tutti gli altri animali, potrebbe essere un mondo senza Homo Sapiens?

Secondo Bruno Bozzetto l'uomo “ha sempre l'impulso a trasformare il confronto in conflitto, a passare dalle parole i fatti, dai fatti ai colpi, dai colpi alle macerie. La tragica parabola di un bipede che vuole diventare il re più potente del niente. Io lotto per gli esseri che non hanno la voce".

Dal 19 aprile 2024 è disponibile sulle piattaforme digitali di streaming “Panic Room” (Kimura), il primo album di stillpani.

“Panic Room”, il primo album di stillpani è un lavoro che affronta un viaggio interiore attraverso la musica. Una panic roomè una stanza fortificata che viene installata in una residenza o azienda per fornire un riparo sicuro o un nascondiglio per gli abitanti in caso di irruzione, invasione domestica, tornado, attacco terroristico o diversa minaccia.

L'album è composto da 8 tracce, ognuna delle quali affronta una tematica diversa, dall'irrefrenabile voglia di libertà e una voglia di futuro, alla malinconia, a momenti positivi di serate con gli amici, all'amore, ma anche alla denuncia sociale, ai ricordi di infanzia.

Commenta l'artista a proposito dell'album: “La mia panic room è la musica, la scrittura che nonostante tutto continuano a proteggermi dalle varie ‘minacce’ che la vita ci presenta. Mi piaceva molto l’idea di racchiudere dentro un disco tutte le mie più grandi paure, i miei dubbi e i miei stati d’animo più profondi. Nel disco ho affrontato tanti temi e insieme a Etrusko (che ha curato nei minimi dettagli il progetto per il lato artistico) abbiamo sperimentato molte sonorità.

Il disco si apre con 'Intro/Cosa sono?' che racconta la mia irrefrenabile voglia di libertà e la voglia di darmi un futuro diverso, la seconda traccia, 'Panic Room', oltre a dare il titolo al disco è la canzone a cui tengo di più, affronto un tema forte per me, la malinconia, impersonificata da una donna pronta a togliermi tutto che pian piano riesco ad allontanare. 'A galla', invece, è una fotografia di serate con amici, momenti felici e good vibes generali che ho vissuto in compagnia delle persone a cui tengo di più. La quarta traccia è 'Contromano', la traccia più pop, spontanea e accattivante del disco, una quasi lettera che ho scritto ad una donna che a suo modo continuo a portare dentro di me. Le tracce ‘Ego’ e ‘Catene’ sono una vera e propria denuncia sociale, due canzoni che sento mie al 100% nonostante dietro ci sia la mano e la delicatissima penna di Lorenzo Di Pasquale (in arte Amelia) che mi ha aiutato a buttare giù il testo di entrambe ed è riuscito a scavarmi dentro. La settima traccia, ‘La descrizione di un attimo’, è un ricordo bellissimo legato alla mia infanzia, volevo riportare questa canzone dei Tiromancino che cantavo da bambino insieme a mia madre in macchina, ci ho messo un po’ del mio dentro e il risultato mi è piaciuto sin da subito. il disco poi, si conclude con ‘Quante volte’, una canzone che ho scritto ad una persona che non fa più parte della mia vita da un po’ di anni ormai, il brano, impreziosito dalla prorompente voce di Tekla è un botta e risposta tra due parti che si sono allontanate con il tempo e la sintonia che si crea nella canzone è magica. Ho scelto Francesca per questo brano perchè sapevamo che poteva dare un qualcosa in più ad una canzone che in fase di realizzazione aveva già detto tanto, quando mi è arrivata la sua strofa ero felicissimo della scelta e sapevo di aver affidato un brano per me speciale nelle mani giuste.”

TRACK-LIST:

·         Intro/Cosa sono?

·         Panic Room

·         A Galla

·         Contromano

·         Catene

·         Ego

·         La Descrizione Di Un Attimo

·         Quante volte

Biografia

Alessandro Paniccia in arte “stillpani” è un cantautore nato a L’Aquila il 12 aprile 1999. Inizia la sua carriera nel 2019 con il singolo “Immortale” che riscuote un buon successo in città. Seguono altri due singoli e la pubblicazione dell’EP “4912” nel 2020. Con questi brani riesce a fare buone esperienze nell’ambito live e attira su di sé attenzioni di case discografiche. Nel periodo 2021/2022 pubblica quattro singoli: “Pagine Vuote”, “Schiaffi”, “Sto Bene/Sto Male e “Vertigine” che alternano varie sonorità l’una dall’altra. Nel 2023, dopo un piccolo periodo di inattività, pubblica nel 2023 “A Galla”, “Contromano” e la cover “La descrizione di un attimo”, singoli prodotti da Etrusko e Phonez (Alti Records), come tutti gli altri lavori precedentemente citati, e pubblicati da Kimura.

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Dal 19 aprile 2024 è in rotazione radiofonica “Resterò”, il nuovo singolo di Ivan Pizzimenti  disponibile su tutte le piattaforme di streaming digitale dal 12 aprile.

"Resterò"è un brano che affronta il tema struggente di un amore che, nonostante esista e sia profondo, non può mai sbocciare pienamente a causa di ostacoli insormontabili come la distanza e le circostanze avverse. La canzone è intrisa di una malinconia dolce-amara, che parla di un sentimento forte e genuino, ma condannato a rimanere nel limbo dell'impossibilità.

Le parole del brano trasmettono una gamma di emozioni complesse, dalla speranza all'angoscia, dall'amarezza alla rassegnazione. Si parla di desiderio e di sogni infranti, di un amore che brucia nel profondo del cuore ma che è costretto a restare relegato nell'ombra, privo di una possibilità concreta di realizzazione.

La distanza fisica può essere un muro invalicabile che separa due anime che battono all'unisono, mentre le circostanze sfavorevoli possono complicare ulteriormente le cose, intralciando la via verso una possibile unione. La consapevolezza di questo ostacolo insormontabile può causare un dolore profondo, ma al contempo una sorta di accettazione resignata della situazione.

Commenta l'artista a proposito del brano: “Il progetto nasce in Up Music nel 2023 e rappresenta per me un grande motivo di orgoglio e soddisfazione, scritto da Vittorio Valenti e composto da Sabatino salvati, spero possa piacere e prendere più persone possibili.”

Biografia

Ivan Pizzimenti nasce il 28 ottobre 1999 a Reggio Calabria. Studia canto dal 2006 presso l’Associazione A.M.S. di Reggio di Calabria sotto la guida del Maestro Giovanna Gilda Severino.

Ha partecipato al “1° stage Città di Fasano”, organizzato dalla talent scout Isabella Abiuso, con docenti del calibro di M° Pietro Mazzocchetti, Gatto Panceri, Valeria Rossi, Pietro Foresti, M° Ciro Barbato, M° Mario Brancaccio. Le audizioni finali si sono tenute alla presenza del promoter Marcello Balestra della Warner Music e del regista televisivo Alberto Boi. Ha ricevuto schede di valutazione con giudizi lusinghieri sulla tecnica vocale, intonazione, presenza scenica, look, portamento.

Nel 2016 partecipa  selezioni per X Factor presso il Palalottomatica a Roma e nel 2023 partecipa  selezioni per X Factor presso l’Allianz Cloud.

Nel 2014 partecipa al Pop Music Festival Finale al Teatro Vortex Roma- con il brano inedito “Crescerò” di Giovanna Gilda Severino e Giuseppe Pirrotta.

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Il Teatro Furio Camillo ospita dal 25 al 28 aprile la prima edizione della rassegna SDATTE – FEMMINILE NON CONFORME , una rassegna di spettacoli e performance al femminile. Il progetto, promosso da Roma Capitale - Assessorato alla Cultura, è vincitore dell'Avviso Pubblico, curato dal Dipartimento Attività Culturali, per il reperimento di progetti per la concessione di contributi destinati a sale teatrali private con capienza inferiore a 100 posti, per progetti di ricerca e sperimentazione per la Stagione 2023/2024.

Dal 25 al 28 aprile la rassegna accoglierà spettacoli di compagnie, italiane ed estere, che utilizzano linguaggi  differenti, dalla danza alla prosa al circo contemporaneo, tutte con l’intento di raccontare il femminile fuori dagli stereotipi.

Oltre agli spettacolo e alle performance, il Teatro ospiterà la mostra “DONNE D’ARIA” della fotografa Gaia Recchia, che racconta i corpi delle donne colte nel momento del gesto artistico.

Giovedì 25 aprile (ore 18 e ore 21) apre la rassegna la compagnia Zania con CAPUCHE, uno spettacolo di circo contemporaneo, che rivisita in chiave moderna la favola di Cappuccetto Rosso, usandola come metafora per parlare di violenza di genere. Utilizzando la musica dal vivo, l’equilibrismo e il testo, Gioia Zanaboni racconta in modo poetico e onirico come è possibile ritrovarsi in una relazione tossica e come è difficile rendersene conto ed uscirne.

Nella stessa giornata alle ore 19.30 verrà realizzata la performance di teatro, musica e clownerie Gramophone Circus dedicata alle donne nella musica agli inizi del 900 e al loro apporto allo sviluppo dei programmi radiofonici e alle donne che hanno inciso vinili.

Venerdì 26 aprile (ore 18 e ore 21) la compagnia TeatroInMovimento presenta SULLA STRADA, spettacolo che vuole raccontare un fenomeno che ogni giorno ci passa accanto, in questa Italia così distratta e che reclama il suo diritto di essere considerato. Sulla strada parla parole rabbiose, dolorose, umiliate, che raccontano la vita, la tratta, i clienti, i sogni delle ragazze del marciapiede.

Alle ore 19.30 verrà presentato un monologo sulla poesia al femminile e sulle donne nella letteratura, che prende come spunto la vita e le opere di alcune poetesse nella storia della letteratura

Sabato (ore 18 e ore 21) il Network Pagliacce coordinato dalla Compagnia delle Due e Un Quarto presenta il PAGLIACCE CABARET, un eclettico contenitore tutto al femminile. Pagliacce Cabaret è un omaggio all’universo comico femminile che esplora il linguaggio del clown con un’impepata di femminilità. Sessanta minuti di follia, per una serata esplosiva!

Domenica 28 aprile(ore 18 e ore 21) Chiude la rassegna lo spettacolo SILENZIO ASSORDANTE della compagnia Materiaviva. Spettacolo multidisciplinare per la sensibilizzazione sul tema del femminicidio che si compone con una sequenza di capitoli ciascuno dei quali utilizza tecniche di circo teatro, azioni sceniche in forma di danza, di giocoleria e di parola. Ciascun capitolo racconta storie differenti, vere, tutte accomunate dall’identica sensazione di perdita della leggerezza, di impossibilità di parlare, dell’oppressione psicologica che costringe al silenzio. Lo spettacolo andrà in scena con la presenza di un interprete LIS.

Alle ore 19.30 la danzatrice Valeria Pelino si esibirà in una una performance ispirata alle donne nella danza, con particolare attenzione ad Anna Pavlova

Teatro Furio Camillo

via Camilla, 44 - 00181 Roma (Metro ‘A’ Furio Camillo)

11 novembre – 10 dicembre

giovedì - venerdì e sabato alle 21,00 - domenica alle 11,00 e alle 18,00

INFO E BIGLIETTI

Biglietto per singolo spettacolo € 5,00

Le performance delle 19,30 e la mostra fotografica sono ad ingresso libero

I biglietti per i singoli spettacoli possono essere acquistati il giorno stesso presso il botteghino del teatro. La prenotazione è obbligatoria.

Info e prenotazioni: info@teatrofuriocamillo.com – 0697616026

www.rassegnabattiti.it

Oggi ci immergiamo nel nuovo e intrigante universo sonoro dei Licorice Trip con il loro ultimo album, "Mexicaña". Questo progetto si distingue per il suo approccio al concetto di dualismo complementare, dove ogni brano presenta una doppia faccia di significati e visioni. "Mexicaña" non è solo un album, ma un ponte tra idee contrastanti che sfida l'ascoltatore a riflettere e a dialogare.

Oggi abbiamo il piacere di parlare con Gabriele, il bassista della band e coautore dei testi, che ci offrirà uno sguardo più approfondito sulle tematiche dell'album e su come queste risuonino con le dinamiche attuali del mondo musicale e sociale.

In che modo il titolo "Mexicaña" riflette il tema e il contenuto dell'album? C'è un legame specifico con la cultura messicana o è più simbolico?

“No, no, non c’è nessun legame specifico con la cultura messicana o con le culture precolombiane è un semplice gioco di parole basato sul fatto che il “Chihuahua” è una razza canina che ha origine tra nord del Messico e sud del Texas e la cagnolina in copertina, Honda, è appunto una femminuccia e come avrete imparato nella canzone "Mexicaña" lei ci tiene al suo genere. Abbiamo scelto questo titolo dell’album proprio perché ci piaceva l’idea di utilizzare Honda come volto di questo progetto”.

C'è un brano in particolare che ritenete rappresenti meglio il messaggio o il tema principale dell'album?

“Potremmo dire banalmente proprio "Mexicaña" ma in realtà noi intendiamo l’intero album come un insieme di narrazione e storie collegate tra loro dal concetto di dualismo complementare: all’interno di ogni brano c’è un aspetto e il suo aspetto, messi in contrasto si completano creando nuovo senso. Azzardiamo dicendo che probabilmente il nostro è praticamente un concept album”.

Come pensate che l'esperienza dell'esecuzione dal vivo possa arricchire e reinterpretare le canzoni di "Mexicaña" rispetto alla versione registrata?

“Siamo molto soddisfatti del lavoro fatto in studio e colgo l’occasione per ringraziare pubblicamente Andrea Lenoci di Molotov Recording che ci ha pazientemente guidato in questo processo. Detto ciò è chiaro che per un genere come il nostro il lavoro studio rappresenta un solo aspetto, che per quanto importante non è tutto. Nei nostri live adoperiamo un supporto visivo, delle videoproiezioni create ad hoc che guidano e forniscono importanti “indizi” ai nostri ascoltatori per meglio seguire le nostre narrazioni. Infine, sarà una banalità, ma è assolutamente vero che nel live c’è sempre una spinta in più data dalla presenza di pubblico, si suono più forte, più veloce e con gran coinvolgimento e per la nostra musica non può che essere positivo”.

Qual è stata la parte più gratificante del processo di creazione di "Mexicaña"? E la più impegnativa?

“Stessa risposta per entrambe le domande: terminare il mixing e il mastering dell’album. I concetti erano chiari, gli arrangiamenti anche ma il lavoro in studio ovviamente non poteva esserlo. Pur avendo singolarmente le idee chiare sul tipo di risultato che ci aspettavamo abbiamo dovuto chiaramente mediare tra noi per arrivare all’esito finale. Non è stato affatto facile ma direi che alla fine è andata più che bene”.

Oltre alla musica stessa, c'è un elemento visivo o artistico che accompagna l'album, come una copertina particolarmente significativa?

“Come dicevo prima in copertina c’è LA "Mexicaña" di cui parliamo, Honda. Lei non è presente solo in copertina, difatti la parte interna del packaging è letteralmente l’interno di Honda, una sua reale radiografia. Abbiamo giocato su questo concetto di dentro e fuori e anche di fronte e retro sullo stesso soggetto”.

Infine, guardando al futuro, quali sono i vostri progetti e ambizioni per il prossimo capitolo della vostra carriera musicale dopo "Mexicaña"?

“Siamo contenti di essere arrivati sino a qui e di aver portato a termine questo viaggio. Ora speriamo di ripartire quanto prima per portare in giro il racconto di questo viaggio grazie ai live. Pertanto ci auguriamo di poter suonare il più possibile e di “diffondere il verbo” della nostra "Mexicaña"”.

La designer sulla definizione dei tagli pregiati, la collezione Estate 2024 e le passerelle internazionali.

Parliamo dell’Estate 2024, che ispirazioni si identificano nelle tue ultime creazioni? 

Il convegno celebrativo intende ripercorrere le tappe significative che hanno portato sia alla fondazione del Museo, sia alla continua proposta culturale che l'Associazione ALT ha portato avanti negli anni.

L'Associazione ALT e la nascita del Museo #MeTe: 

L'idea di istituire il Museo viene concepita nel 2009 quando alcuni giovani di Siculiana decidono di fondare l'ALT Associazione Leisure and Tourisme. Nel 2010 l'Associazione organizza in collaborazione con il Comune di Siculiana le "Celebrazioni del Settecentenario" della Fondazione del paese; per l'occasione viene allestita, presso i locali del Castello Chiaramonte, la mostra audio-video-fotografica dal titolo "Frammenti di Memoria". In quell'occasione l'Associazione ALT, l'associazione Siculiana On Line e numerosi cittadini collaborarono recuperando e acquisendo in file diverse fotografie d'epoca. Nel 2011 l'associazione ALT organizza il Laboratorio Permanente per la Ricerca Etnografica organizzando, tra l'altro, i primi Campi Estivi per il Museo della Memoria e del Territorio. Nel 2012 prosegue il lavoro di ricerca e contestualmente si procede con una progressiva raccolta di oggetti di interesse etnoantropologico. Durante i Campi Estivi del 2012, l'associazione elabora diversi Itinerari Museali a Cielo Aperto. Nel 2013 il Comune di Siculiana autorizza l'associazione ALT ad utilizzare i locali museali ubicati presso la via Picarella, nel suggestivo quartiere Casale. Nel 2013 l'associazione, non avendo ricevuto nessun contributo pubblico per l'allestimento del Museo, comincia a raccogliere fondi tra i privati. Nell'estate del 2013, durante i Campi Estivi, si organizza il Laboratorio per la Catalogazione dei Beni Demoetnoantropologici. Dal mese di ottobre 2013 partono i lavori di allestimento con i pochissimi fondi raccolti tra i privati. Nei primi mesi del 2014 l'associazione prosegue i lavori di allestimento e la raccolta fondi. In data 30 aprile 2014, dopo anni di fatica e lavoro, l'associazione concretizza quell'idea concepita nel 2009: fondare il #MeTe Museo della Memoria e del Territorio. Nel corso degli anni l'Associazione si è dedicata anche ad attività di rigenerazione urbana mediante interventi artistici site-specific presso il quartiere Casale, il quartiere Sant'Antonino e la via Finestre.  Inoltre, grazie alla collaborazione di numerosi soci, negli anni si sono proposte diverse mostre artistiche e  storiche, convegni, dibattiti di storia contemporanea, presentazione di libri e spettacoli: una proposta culturale che ha visto da sempre come punto fermo l'identità del territorio e il coinvolgimento della comunità locale. 

Attualmente l'Associazione è impegnata nella sistemazione dell'Archivio storico-locale e nell'opera di recupero e conservazione di patrimonio librario, artistico ed etnoantropologico, grazie alle continue donazioni di numerose famiglie siciliane. Le continue acquisizioni del Museo portano così in essere nuove esigenze e l'idea di allestire nuovi spazi con lo scopo di rendere fruibile al pubblico le numerose collezioni che, per ragioni economiche e di logistica, non possono attualmente essere esposte.

Fonte: sito del museo https://www.metesiculiana.org/

Una movida Bárbara, realizzata per il Museo di Roma in Trastevere, offre un viaggio attraverso la lunga carriera - dal 1978 al 2014 - di Ouka Leele (Madrid 1957-2022) partendo dalle fotografie con cui ha allestito la sua prima mostra a Madrid, Peluquería, fino all'ultima serie realizzata nelle Asturie nel 2014, A donde la luz me lleve.

Ideata con l’intento di proseguire la rassegna di fotografi spagnoli attivi nell’ambito della “movida madrileña” degli anni Ottanta, in continuità con quella di Miguel Trillo già ospitata presso lo stesso Museo, l’esposizione, promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Cultura, Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali e organizzata dall'Ufficio Culturale dell'Ambasciata di Spagna e Caravan, è curata da María Rosenfeldt - figlia di Ouka Leele -  e Silvia Oviaño. Servizi museali di Zètema Progetto Cultura.

            Ospitata dal museo di Roma in Trastevere dal 17 aprile al 7 luglio 2024, la prima mostra personale di Ouka Leele in Italia comprende non solo fotografie, ma anche parte della produzione pittorica, come le serie Floreale e El Cantar de los Cantares. In mostra circa 100 opere di diverse dimensioni, formati e tecniche (alcune delle quali originali), integrate da materiale documentario, prove di stampa, cataloghi, manifesti e materiale di merchandising prodotto con le sue immagini.

La mostra comprende anche l'opera Menina Liberada, l'unica opera di una fotografa donna esposta in modo permanente al Museo del Prado e rappresenta uno sguardo panoramico sulla carriera di un'artista, tanto prolifica quanto inclassificabile, che fin da giovanissima è stata una risorsa essenziale dell'arte contemporanea spagnola e che ha contribuito in modo decisivo a collocare la fotografia tra i linguaggi della modernità.

Nel marzo del 1980 comparvero per le strade del centro di Madrid dei piccoli adesivi gialli con la scritta "Finalmente a Madrid le fotografie di Ouka Leele, dal 6 al 29 marzo presso la Galería Redor". Era la prima volta che Bárbara Allende, che poi avrebbe cambiato il suo nome artistico in Ouka Leele, esponeva nella capitale spagnola. Completamente sconosciuta in città, e con alle spalle una sola mostra a Barcellona, si presentò come l'artista più attesa del momento. Non ci volle molto perché lo diventasse e, nel 1987, il Museo d'Arte Contemporanea organizzò la sua prima retrospettiva. Il suo lavoro suscitava grande interesse in un pubblico desideroso di tutto ciò che rappresentasse una rottura con i codici artistici di un Paese che usciva da quattro decenni di dittatura.

Dal 17 luglio al 20 ottobre 2024 il Museo di Roma in Trastevere ospiterà la mostra dedicata a Dino Ignani e al suo sguardo sulla movida romana degli anni ’80, aprendo un ideale confronto tra i movimenti culturali di quegli anni in Italia e Spagna.

In occasione della Milano Design Week, Triennale Milano presenta una serie di nuove mostre e progetti, seguendo la sua vocazione di istituzione di riferimento per il design e l'architettura ed esponendo i progetti di alcune tra le più interessanti realtà internazionali nel campo della progettazione.

C’era il mondo, quest’anno più di sempre, al Pordenone Docs Fest, il festival del documentario di Cinemazero.

«Dietro a ogni film c’è un essere umano», dice Riccardo Costantini, curatore del festival. «Rimettere al centro i diritti umani significa pensare alle persone, ai loro bisogni più semplici, quali amare, essere felici, poter condurre una vita in sicurezza, sognare… Il nostro è un evento culturale con una forte impronta sociale, con la ferma volontà di rendere visibili storie e film che diversamente rimarrebbero fuori dai circuiti cinematografici e mediatici classici e con l’ambizione di contribuire con questo lavoro a cambiare almeno un po’ le cose».

Il Gran Jury Award è andato a Mediha di Hassan Oswald, che dopo aver emozionato il pubblico durante la serata di apertura quando è stato consegnato il premio Courage of Images alla giovane protagonista, conquista anche un premio squisitamente cinematografico.

Per i giurati «Mediha racconta una realtà che va oltre ogni finzione. Racconta l’atrocità dell’Isis attraverso un video diario che ha dato alla protagonista la forza di affrontare un trauma devastante e la forza di reagire. In Mediha il cinema è stato terapia ed è diventato autoguarigione». Hanno consegnato il premio il Maestro Marco Bellocchio, presidente di Giuria, assieme a Firouzeh Khosrovani e a Dario Zonta. Doppio premio anche per The Giants di Laurence Billiet e Rachael Antony, con protagonista Bob Brown (che ha raggiunto Pordenone dall’Australia), politico e attivista australiano intervenuto in sala per raccontare le lotte e i risultati di una vita dedicata alla protezione dell’ambiente, dei fiumi e delle foreste, che ottiene il Green Documentary Award, per il miglior film a tematica ecologica e anche lo Young Audience Award. La motivazione dei giovani del Cinemazero Young Club e degli studenti accorsi da tutta Italia è un’ottima presentazione per la lunga vita che il festival augura a questo film: «Il documentario evidenzia il valore della gentilezza, della non violenza e della tolleranza attraverso le battaglie di Bob Brown che, con il suo impegno, ci insegna cosa vuol dire salvaguardare il nostro pianeta trasmettendo la sua sincera speranza alle nuove generazioni. Ci emoziona la sua visione del mondo: una “casa per i gentili di cuore” che racchiude un pensiero di rispetto e inclusività in cui ci rispecchiamo». Grazie al film, moltissime persone, fuori dall’Australia, potranno conoscere la sua storia e il suo esempio, che va oltre ogni confine e il festival, così come si impegna a far conoscere al più ampio pubblico possibile i titoli che ospita, si è impegnato anche per diffondere un messaggio così importante anche al di là di Pordenone, organizzando alcuni incontri anche a Trieste e a Cortina per valorizzare la sua presenza in Italia. Il pubblico invece ha votato per lo sconvolgente Beyond Utopia, che quindi conquista l’Audience Award.

Anche l’apprezzata selezione VR a il suo vincitore e il Premio Virtual Realityè andato a GAWI di Myriam Hernandez, Isabel Monarca e Lorenzo Pajarito, ospiti eccezionali dal Messico a Pordenone per il festival: è stato questo il titolo più apprezzato dai moltissimi che hanno visitato lo spazio VR. Il documentario è un’immersione nello speciale rapporto del popolo Raramuri del nord del Messico con la terra, i boschi e i fiumi, un legame che portano avanti da millenni. Una richiesta d’aiuto perché la natura non venga distrutta in nome del profitto per pochi.

Il Premio della Critica (composta da Michela Manente, Roberto Baldassarre e Frèdèric Pascali), in collaborazione con l'Associazione Festival italiani di Cinema e il Sindacato nazionale Critici cinematografici italiani, è andato invece a Kabul Beauty di Margaux Benn e Soléne Chalvon Fioriti «perché permette di ritrovare una realtà scomparsa dalle nostre cronache quotidiane, quella afgana, nella quale la condizione femminile continua a essere relegata in una situazione tale per cui solo il coraggio, la volontà e la solidarietà riescono a ritagliare per le donne spazi di libertà ed emancipazione». I giurati hanno anche voluto dare una Menzione speciale a Copa 71 di Rachel Ramsay e James Erskine (che sarà distribuito dal festival in collaborazione con Fandango, CineAgenzia e Ultimo Uomo) «per il valore documentale di un avvenimento calcistico unico per la sua epoca, mai riconosciuto dalla Federazione Internazionale, emblema di un radicale cambiamento del costume e della solidarietà».

Il pubblico, oltre a seguire le proiezioni, anche per l’ultimo giorno ha chiuso l’edizione rispondendo in massa alla master class di Marco Bellocchio e Denis Brotto e con il sold out della produzione originale del festival (insieme a LUCE – Cinecittà), Acqua, porta via tutto: il cine-concerto con immagini dell’Istituto Luce con la regia di Roland Sejko, le musiche originali di Teho Teardo e i versi inediti di Gianmario Villalta. Tra le produzioni è stato anche dato l’annuncio della pubblicazione sulle maggiori piattaforme di ascolto del podcast Proibito!Cronache di Processo per stupro di Irene Tommasi.